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2011

Hablemos de futuro. La década empieza fuerte. En un año que comenzó sin grandes pretensiones se ha configurado como uno de los más prolíficos, eclécticos y sorprendentes de lo que llevamos de siglo. En este año 2011 han sacado discos multitud de grupos:

Mastodon y “The Hunter“, los geniales Machine Head con Unto the Locust, Megadeth, con Th1rth3en, su disco nº13, con 13 canciones, Dream Theater presentando a Mike Mangini como su nuevo batería, con A Dramatic Turn of Events, Blotted Science con su genial EP The Animations of Entomology, Staind, con una sorprendente vuelta a los inicios con Staind, autotitulado, Opeth, con su genial Heritage…en definitiva, podemos decir que este año ha ido bien cargadito. Eso sí, 2012 no apunta mal tampoco, con un nuevo trabajo de Tool en el horizonte (marzo 2012). A todo esto, comentaremos un poco por encima algunos de estos trabajos para tener una idea más amplia de esta reinvención del metal que llevamos presenciando desde el año 2000.

  • Dream Theater, A Dramatic Turn of Events (Enlace de Spotify): Dream Theater es una de esas bandas que nos tienen malacostumbrados a los oyentes. Al ser una de las mejores bandas de todos los tiempos, reconocida por los críticos y por los melómanos, con cientos de miles de influencias directas en sus canciones y por la influencia que están teniendo en la génesis de nuevas bandas, está claro que será una de las bandas más influyentes del mundo en cuanto al recorrido del metal se refiere. Sin embargo, y aunque suene mal decirlo, la marcha de Mike Portnoy. Y es que su último album es toda una declaración de principios: nos gusta la música que hacemos y os lo vamos a demostrar. La presencia, mucho más evidente y notoria, de Jordan Rudess como teclista, pianista y creador de atmósferas mediante efectos sonoros da a este album un sonido más afinado, más suave pero sin perder las afiladas y agresivas aristas metálicas que Dream Theater ha ido desarrollando a través de sus albumes desde el 2002 con Six Degrees of Inner Turbulence (The Glass Prison, temazo donde los haya)Así se demuestra en canciones como “Bridges in the Sky”, “Outcry”, “On the Backs of Angels”, que guardan una gran melodía sin perder el ritmo y la fuerza de los riffs de John Petrucci como guitarrista de la banda. En general, es muy infrecuente encontrar una mala opinión sobre esta banda (la mayoría de las veces, orientadas hacia un excesivo virtuosismo en lo que a las canciones se refiere) pero es indudable de que ésta es una de los grandes.
  • Machine Head, Unto the Locust (Enlace de Spotify): Robert Flynn y compañía lo han vuelto a conseguir. Si ya en 2007 reinventaron y unificaron un género que se dispersaba en multitud de géneros, sonidos y fusiones, con esta obra maestra han sentado las bases de la que parece ser (esperamos) su nuevo sonido. Sin The Blackening, su anterior trabajo, difícilmente podría entenderse este album, ya que perfectamente podría considerarse su segunda parte: el primero sonaba más maduro, agresivo y progresivo. En cambio, Unto the Locust es rápido, directo, brutal, bello, agresivo, es decir, un disco de METAL con mayúsculas. Con más coros, sin sonar power metal, con la música clásica muy presente (si no, mirad las escalas clásicas que se marcan los colegas en “Be Still and Know”) con más registros vocales, agudos y graves, , “This is the End” es, en mi opinión, EL temazo, que puede perfectamente englobar todo lo buenísimo que tiene este disco. Si os pica la curiosidad, arriba el enlace de Spotify.
  • Opeth, Heritage (Enlace de Spotify): Los finlandeses Opeth son siempre una apuesta segura si lo que buscas es metal progresivo de calidad. Aunque en esta ocasión Akerfeltd ha optado por darle una vuelta de tuerca con la vista puesta en la década de los 70 a su sonido, Heritage es un disco muy digno de llevar el nombre que ostenta. Heritage, en inglés, significa “Herencia” o “Patrimonio”, y si sabemos que es un disco de rock progresivo de los años 70, la conexión está clara: éste es el particular homenaje que Opeth hace a su “herencia” como banda de metal actual. En este disco, olvidaros de guturales, blastbeats, riffs y cualquier cosa que suene a metal tal y como lo conocemos: es un disco sobrio, tranquilo, calmado, como suelo decir “nocturno”, en el sentido de que da sensación de calma. Más que un disco, en mi opinión es un conjunto de melodías y ambientes sonoros, que tema tras tema, va poniéndonos en situación: unas flautas traveseras para recordar a Jethro Tull (Famine), un tempo más rápido para percibir los ritmos de Rainbow y los teclados de Deep Purple (Slither), un toque más rockero para dar a luz un guiño a Led Zeppelin y todo el rock inglés de los 70 (The Devil’s Orchard, The Lines in My Hand, Häxprocess)…en definitiva, todo un discazo.
  • Blotted Science, The Animations of Entomology: Blotted Science quizá no suene al gran público, pero es un supergrupo muy importante y todos unos virtuosos de la música. Su anterior y primer disco, The Machinations of Dementia, era un recorrido salvaje, progresivo y agresivo por mucho de lo que el metal puede ofrecer: es arte con mayúsculas. Siguiendo esa línea, The Animations of Entomology son 7 canciones directas, cortas para ser metal progresivo (menos de 6 minutos por tema) que conforman una verdadera clase magistral sobre lo que es tocar un instrumento. “Ingesting Blattaria” es un trallazo de sonidos, riffs, baterías desbocadas que otros llevarían al conocido “potencia sin control” propia de muchas bandas progresivas, sin embargo, Blotted Science conduce la melodía a través de los pasajes de las canciones de una manera muy directa y haciendo que parezca fácil. Como digo, mejor escucharlo (Spotify en el nombre del album).

Esta década que empieza nos deja un regusto muy agradable sobre lo que podemos encontrarnos en los años venideros. Como todo estilo o género, la gran familia de sonidos, estilos y movimientos que denominamos globalmente como metal ha cambiado. Es algo palpable, y los cánones clásicos de la New Wave of Brithis Heavy Metal o de la Bay Area ya no están tan presentes. Es importante lo de “tan”. No me malinterpretéis: no quiero decir que ya no se tengan en cuenta, sino que, en mi opinión, la presencia de base, como influencias directas, de estas bandas, han ido cambiando. Ya no es tan “evidente” su sonido en las nuevas formaciones que han surgido y evolucionado, sino que son complementarias, no pilares fundamentales. Por supuesto que Iron Maiden, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, The Beatles, Pink Floyd, Judas Priest, Metallica, Slayer etc, han sido, son y seguirán siendo la base, pero ya no es la medida a la que se ciñen los nuevos grupos, sino que sus miras se giran hacia los “nuevos clásicos” en mi opinión, las bandas de las que hablaremos con devoción dentro de 30 ó 40 años, como pueden ser Opeth, Dream Theater, Machine Head, etc…grupos que, en suma, pasarán a la historia de la música.

¿Y hacia donde se ha dirigido la vara de medir? Sin duda, a una horquilla mucho más amplia, que podría abarcar desde 1970 hasta el año 2007, año de edición del, por ahora y en mi opinión, “Master of Puppets del nuevo milenio”  The Blackening de Machine Head. Como ejemplo citaremos el post rock: sus bases son contemporáneas, claro está, pero por ejemplo, Pink Floyd sin saberlo ni pretenderlo, dio origen a cuatro géneros nuevos que ahora están teniendo su época dorada: el post rock, el rock sinfónico

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Ciclo Renal (I): El Improperio Contraataca // El Reno Renardo

Titulo: El Improperio Contraataca
Grupo: El Reno Renardo
Género: Friki Rock
Año: 2010
Banda:

Jevo Jevardo (voces)
Ander The Thunder (bajo)
Iván Cormen (baterias)
Miguel Angel Alberto Eugenio de Torralba y Fitz-James Stuart (guitarra solista)

Canciones:
Intro Darth Gayer
Subnorman
Mi Casa
Mis Colegas
Señoras
Todos contra el Canon
Entre dos Piernas
En el Nardo
Opus Deimian
Con las Manos en la Grasa
El Abuelito Batallistas y el Nieto Repelente
La Navaja del Trueno Inmortal
Enterradme en el Media Markt
De Bilbao
Resto de Joaquin
Subnormercado
Subnormix

Descarga Directa:  http://elrenorenardo.com/renoweb/?page_id=24
Página Web Oficial: www.elrenorenardo.com

Por fin, un disco en descarga directa habita en este humilde blog. La ocasión no es para menos, puesto que se trata del tercer trabajo discográfico de “El Reno Renardo”, un grupazo de paisanos mios que hacen un rock transgresor y provocativo a base de burradas plasmadas en sus letras, siempre ácidas y muy variadas.

Comenzamos este ciclo dedicado al Reno Renardo ( El Ciclo Renal) al revés, desde su último trabajo hasta su primer trabajo, en 2007. Lo más relevante del Reno Renardo son, como he dicho, sus letras, pero en esta ocasión este disco se trata de uno de los más currados y cuidados discos en cuanto a producción y sonido se refiere. Denuncia social, ironía a paladas, humor negro, escatología a saco…podemos encontrar de todo. Sin duda, las salvajadas que cantan en canciones como “Opus Deimian”, “Entre dos Piernas” o la enorme y grandiosa “Subnormercado” son muestra de ello.

Las canciones son, en algunas ocasiones, temas propios, pero el punto fuerte lo dan sus versiones (“Mis Colegas” por ejemplo, es una versión de Amaral de la canción “Mis Amigos”, “Entre Dos Piernas” versiona “Entre dos Tierras” de Héroes del Silencio…) aunque en esta ocasión sus temas propios están más que cuidados (por ejemplo, es un temazo “Mi Casa” o “Subnormix” es toda una genialidad) y aunque podría citar algunas canciones clave, el disco entero es una maravilla, un disco fresco y diferente que sirve para romper la monotonía de los 40 Demenciales y sus acólitos. Disfrutadlo.

Train of Thought // Dream Theater

Titulo: Train of Though
Grupo: Dream Theater
Género: Metal Progresivo
Año: 2003
Banda:

James LaBrie (voces)
John Petrucci (guitarrista principal)
Mike Portnoy (baterias) (1989/2010)
John Myung (teclados, piano)
Jordan Rudess (bajo)

Canciones:

As I Am
This Dying Soul
Endless Sacrifice
Honor Thy Father
Vacant
Stream of Conciousness
In the Name of God

En Spotify: Dream Theater – Train of Thought
Página Web Oficial: www.dreamtheater.com
MySpace: www.myspace.com/dreamtheater

Dream Theater es uno de los nombres más importantes del rock contemporáneo desde el año 89 hasta hoy. Definidores de un estilo, el metal progresivo, han evolucionado a lo largo de los años hasta convertirse en uno de los puntales sobre los que se asienta la música moderna. Este año, con la marcha de su batería Mike Portnoy (uno de los mejores baterías del mundo) la banda ha iniciado un parón hasta encontrar sustituto.

A pesar de ser, primigeniamente, un disco de rock progresivo, con el paso de los años, sobre todo desde el año 2002 (Six Degrees of Inner Turbulence, y su canción “The Glass Prison”) su sonido ha ido endureciendose hacia unas melodías cercanas al metal, como demuestra este disco de 2003 que ahora posteo, llamado “Train of Thought”.

Para mi, es el mejor disco de Dream Theater, sin olvidar el enorme “Images & Words” de 1992, personalmente me gustan más los Dream Theater más duros. Desde la primera canción (un temazo donde los haya, As I Am) ya se intuye que este disco es diferente, básicamente, por la dureza de su sonido en comparación con sus predecesores. Hay que mencionar que este es un disco largo, algo a lo que nos tiene acostumbrados este grupo, y en el se pueden encontrar cientos de detalles y matices que hacen que no sea un disco de metal progresivo más, y que es imposible de plasmar aqui.

Por otro lado, destacaría “Honor Thy Father”, con ese comienzo de bateria que firma desde el principio uno de los temas más potentes del disco. Petrucci a la guitarra está sensacional durante todo el album (ojo al solo de guitarra de As I Am) así como James LaBrie, con su “solo vocal” en forma de canción en Vacant.

Portnoy por otro lado, le da el ritmo que necesita el disco, con unas baterías muy dináminas y cambiantes que hacen que no resulte en absoluto aburrido a pesar de la longitud de las canciones.

Only Revolutions // Biffy Clyro

Titulo: Only Revolutions
Grupo: Biffy Clyro
Año: 2009
Género: Pop Alternativo
Banda:

Simon Neil (Guitarra ritmica, voces)
James Joshton (Bajo, voces)
Ben Joshton (baterias)

Canciones:
The Captain
That Golden Rule
Bubbles
God & Satan
Born on a Horse
Mountains
Shock Shock
Many of Horror
Booooom, Blast & Ruins
Cloud of Stink
Know Your Quarry
Whorses

En Spotify: Biffy Clyro – Only Revolutions
Página Web Oficial: http://www.biffyclyro.com/
MySpace: www.myspace.com/biffyclyro

Biffy Clyro es una banda escocesa de pop/rock alternativo fundados en 1995, y tras un par de años publicando discos en la escena underground inglesa, pegaron el pelotazo con su último disco, de 2009, “Only Revolutions”, el cual os presento aquí.

Este grupo es bastante irregular en su sonido, tanto que puedes escuchar una canción puramente pop, que te sorprenden con un ritmo más duro y rockero, o una balada, todo en el mismo disco. No en vano, entre sus influencias podemos encontrar grupos tan dispares como Metallica, los progresivos Rush, Nirvana, Foo Fighters, Papa Roach o incluso, ciertas influencias del post rock de Maybeshewill o God is an Astronaut, y eso es algo que se nota en sus albumes.

En este disco acabaron de definir del todo su estilo, encontrando una mezcla muy singular que incluye instrumentos de cuerda, teclados, sintetizadores, piano o guitarras acusticas, lo cual conforma un catálogo de canciones bastante elegantes y muy sólidas. Personalmente, recomendaría comenzar la escucha por “Bubbles”, “Many of Horror” o quizá “Boooom, Blast & Ruins”, esta última mi preferida de dicho album. Aunque su single es “Mountains”, creo que esta canción queda deslucida al lado de los temas que he mencionado antes. Un gran trabajo de esa isla increíblemente prolífica musicalmente que es Inglaterra.

Age of the Fifth Sun // God is an Astronaut

Nombre: Age of the Fifth Sun
Banda: God is an Astronaut
Género: Post Rock
Año: 2010
Banda:

Torsten Kinsella (voces, guitarras, teclados)
Niels Kinsella (Bajo, Guitarra, Efectos visuales)
Lloyd Hanney (Batería, sintetizadores)

Canciones:

Worlds in Collision
In the Distance Fading
Lost Kingdom
Golden Sky
Dark Rift
Parallel Highway
Shining Through
Age od the Fifth Sun
Paradise Remains

En Spotify:  God Is An Astronaut – Age Of The Fifth Sun
Página Web Oficial: http://www.godisanastronaut.com
MySpace: http://www.myspace.com/godisanastronaut

God is An Astronaut es una banda creada allá por 2002 en Irlanda, bajo la denominación de Post Rock. Este estilo presenta unas melodías calmadas, lentas y relajantes, casi etéreas, por lo que muchas veces ha sido llamado también Space Rock, ya que dar la sensación de “gravedad cero” en el ambiente, como si el tiempo se detuviera.

A pesar de tener una corta trayectoria, este grupo cuenta con otros 4 discos además del que se presenta, siendo muy recomendable la escucha de “All is Violent, All is Bright” del año 2005, en donde podemos encontrar la genial composición “Suicide by Star”, una de las mejores canciones que he oído nunca.

No es fácil hacer un comentario sobre este grupo, ya que su música es difícilmente clasificable o comentable. Su estilo, aunque hunde sus raíces en los años 90, o incluso antes, encontrándose ejemplos ya en Pink Floyd o compositores como Mike Oldfield, o grupos como Slint, considerados por muchos los fundadores de dicho estilo. Así pues, nos encontramos con un género que ha encontrado su auge en esta primera década del siglo XXI, un escenario de rock avanzado y diferente.

Un género que se define, por tanto, por experimentar con ritmos simples, con ambientes sonoros y produciendo sensaciones en el oyente. Y en God is an Astronaut, es destacable la ausencia de voces en la mayoría de las canciones, centrándose sobre todo en la experimentación instrumental y en la creación, como he dicho, de atmósferas sonoras.

En cuanto al disco, a pesar de tener el genial “All is Violent, All is Brigth” del año 2005,  he decidido poner este porque es su obra más reciente. El titulo, Age of the Fifth Sun (Era del Quinto Sol, o Quinta Era Solar), hace referencia al calendario maya, según el cual, antes de nosotros, han existido otras cuatro edades solares con sus correspondientes humanidades, siendo esta en la que nos encontramos la quinta, que según dicho calendario, concluirá el 21 de Diciembre de 2012.

Disfrutadlo.

Esa Maravillosa Música Atronadora (II)

1968. Pocas veces un número dice tanto. Los primeros años de la agonía de The Beatles será el momento en el que el lado oscuro del riff de guitarra deje sentir sus primeros pasos hacia lo que denominamos metal con tres pilares, tres nombres, tres nuevas formas de entender el arte que es la música y que darían origen a uno de los estilos más populares del mundo, el heavy metal. Me estoy refiriendo a Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath. Y no penséis que me voy a poner aquí a soltaros un rollazo sobre nombres, fechas y bandas. Me limitaré solo a tres que, a mi entender, darán origen al hard rock y, en los 70, al heavy metal.

Fundados por el incombustible, genial e irrepetible James Partick Page (Jimmy Page) en 1968, Led Zeppelin supuso en el terreno del rock un soplo de aire fresco que traía desde Estados Unidos lo mejor del blues blanco iniciado por Elvis Presley para mezclarlo con un sonido mucho más potente y sucio de guitarras. Hablo, por supuesto, de la primera semilla del hard rock que les haría famosos en el mundo entero.

El estilo atronador de John Bonham a la batería sentó cátedra, y sirvió de inspiración para cientos de grupos posteriores. Así, John Paul Jones se encargaba de darle al bajo un nuevo sentido más allá del punteo de las notas de la guitarra, y por supuesto, junto con Black Sabbath, en Led Zeppelin podemos encontrar ya los primeros ejemplos de riffs de guitarra de la mano del citado Page.

Un riff (o acorde) no es más que los típicos fraseos que se repiten una y otra vez en una canción rock, o heavy, o metal, o del estilo que sea. Es lo que le da a este estilo su ritmo y sonido característico. Pues bien, en canciones como “Immigrant Song”, “Heartbreaker” o “Whole Lotta Love”, este sonido tan distintivo daba un nuevo aire nunca antes oído al rock.

Pero 1968 dio mucho más de si. Deep Purple comenzó su astronómica carrera un año antes, en 1967, cuando el teclista Jon Lord y, posteriormente, el guitarrista Ritchie Blackmore crearon un proyecto musical que incluía elementos del pop, rock and roll, hard rock, blues, jazz y sonidos progresivos , y en 1973 sacó a la venta “Machine Head” y “Who Do We Think We Are”, los cuales podría decirse que considero los inicios del sonido heavy metal, y como me es imposible elegir una sola canción de ambos discos (quizá “Highway Star” del primero, y “Rat Bat Blue” del segundo) os lo dejo a vuestra elección.

Y por último, para terminar esta primera etapa hablemos de heavy metal puro y duro. El rock en general, y el heavy metal y el metal en particular, le debe las temáticas oscuras y esotéricas, cercanas a veces a lo pagano, a este grupo que, en 1968, llegaron a la puritana Inglaterra con un sonido muy siniestro que dará al mundo uno de los sellos de identidad del metal: el color negro comenzó a predominar, desde las letras, los ritmos (pesados y duros) las guitarras (distorsionadas) y las voces (con Ozzy primero, y Ronnie James Dio después).

Así pues, en 1969 el guitarrista Tommy Iommi y el batería Bill Ward se pusieron manos a la obra al contratar al vocalista Ozzy Osbourne y al bajista Geezer Butler para crear una nueva banda de blues rock. Pero lo que se denota en su primer disco (Black Sabbath, 1970) era algo distinto. Si bien tiene cierto aire blues, Iommi y Osbourne dieron forma a un nuevo hard rock que empezó a sonar atronador en comparación con lo anterior. Su punto fuerte residió en el sonido de guitarra, distorsionado y sucio.

Y en ese mismo año dejaban bien claras sus intenciones al publicar “Paranoid”, con su canción homónima, el cual es uno de los primeros Evangelios de la religión del metal en todo el mundo. Canciones como “Iron Man”, “Hand of Doom”, “Electric Funeral” y más adelante la tremenda “Sympthom of the Universe” muestran ejemplos de riffs y distorsiones que se convertirían en el espejo donde miles de bandas posteriores han sabido mirarse a la hora de iniciarse en la música.

Black Sabbath:

Symtom of the Universe
http://www.goear.com/files/external.swf?file=e263edb

Deep Purple:

Highway Star
http://www.goear.com/files/external.swf?file=8810bc5

Led Zeppelin:

Inmigrant Song
http://www.goear.com/files/external.swf?file=88117f2

[Concierto] Apocalyptica + Livingston // 14.10.10

Aunque quien esto escribe no ha asistido a muchos conciertos por varios motivos (disponibilidad geográfica como económica) he de reconocer que de ahora en adelante será algo que intentaré hacer con más asiduidad.

Y es que el pasado 14 de Octubre tuve la genial oportunidad de asistir al concierto que Apocalyptica tenía programado en Madrid dentro de su gira “7th Symphony Tour” con la banda neonata Livingston como teloneros. Su setlist fue el siguiente:

  1. Smile
  2. Six By Four
  3. Whatever
  4. Disease
  5. Broken
  6. Man overboard

Livingston puedo decir que serán unos chicos que se crearán un espacio en esto de la música. Aquí no esperéis un grupo 100% metal ni hard rock. Su música va camino del pop/rock de Seether o Nickelback, pero con algo novedoso al mezclar hard rock, sonidos progresivos y ritmos tribales con el pop rock característico. Su directo, aunque corto (6 canciones) nos metió a todos en situación y amenizó los minutos previos al concierto.

Su cantante lo dio todo en el escenario y fuera de el, ya que me pareció un detallazo el hecho de estar en persona en el puesto de merchandising saludando, hablando con nosotros y firmando autógrafos a quienes se lo pidieran (entre los que me incluyo). Ojalá que el tiempo y la fama no les cambie este bonito gesto.

Sobre Apocalyptica, la verdad es que con el regusto que me dejó su último disco (7th Symphony – 2010) iba algo escéptico sobre cual podría ser el setlist de la banda. Y la verdad que a excepción de un par de clásicazos que a mi entender no podían faltar, la cosa fue muy digna. El setlist quedó de la siguiente forma:

APOCALYPTICA
7TH SYMPHONY TOUR 2010
Madrid 14.10-10

  1. On the Rooftop With Quasimodo
  2. 2010
  3. Grace
  4. Master of Puppets  (Metallica)
  5. End Of Me
  6. I’m Not Jesus
  7. Refuse/Resist  (Sepultura)
  8. Beautiful
  9. Sacra
  10. Bittersweet
  11. Last Hope
  12. Bring Them to Light
  13. Seek And Destroy  (Metallica)
  14. Inquisition Symphony  (Sepultura)

Bises:

  1. At the Gates of Manala
  2. I Don’t Care
  3. Hall of the Mountain King

Sin duda, uno de los mejores momentos de la noche fue su espectacular entrada con “On the Rooftop with Quasimodo”. Sus tres siluetas en negro con luz azul le daban al ambiente algo etéreo, con esos cellos in crescendo que inundaban la escena para que momentos después se uniera a ellos la batería.

Una cosa que me sorprendió fue su cercanía. Eicca Toppinen se mostró cordial y comunicativo con nosotros, Petru Kivilakso fue sin duda la sorpresa de la noche ya que nos dirigió unas palabras en pseudo-castellano que a todos nos sonaron muy bien, y Paavo, aunque más reservado, no hacía más que ligar con las chicas del frente y guiñar ojos a mansalva. Por otro lado, el juego de luces fue otro punto a destacar ya que hizo que un pequeño concierto de poco más de 1000 personas fuera, visualmente hablando, una maravilla.

Hablemos del sonido. La Riviera es una sala mítica de Madrid por donde han pasado cientos de grupos a lo largo de sus 50 años. He de reconocer que, aunque la batería a mi gusto estaba algo alta, lo que le restaba sonoridad a los cellos, el sonido fue muy bueno, no echando de menos en absoluto las versiones de estudio de los temas presentados, salvo por la voz, muy muy limitada, del cantante que llevaban acompañandolos.

El concierto en sí fue, como he dicho, una fusión de sus temas antiguos, con varios nuevos y alternando con versiones de Metallica y Sepultura. Por otro lado, resultaba muy curioso ver a los cientos de heavys allí reunidos escuchar impasibles las canciones más suaves, y el silencio reinante era sobrecogedor. Aun así, destacaría como los mejores de la noche “Bittersweet” (con el publico al unisono coreando las letras) las versiones de Metallica (que hicieron corear y cabecear al personal como locos) y algun tema nuevo (el mencionado “On the Rooftop with Quasimodo”, “Sacra” y “End of Me” le dieron mucha variedad a un concierto que estuvo marcado por el ambiente intimista y oscuro de una noche que me dejó con ganas de volver a verles cuando volvieran.

Lo mejor: El tema Bittersweet y su acompañamiento coral por el público. La cercanía e intimismo de las canciones lentas. La banda en conjunto. La puesta en escena. Eicca y Petru con el público. La calidad musical de los tres chicos. Livingston y su presentación. La compañía y, por supuesto, haberlo disfrutado contigo.

Lo peor: Quizá la falta de algún tema imperdonable (Path y Pray!). La duración del concierto (1h y 30 mins) se hizo corta a los asistentes al mismo.

Global: 8

Ese Maravillosa Música Atronadora (I)

Hoy me dirijo a vosotros desde mi cubil para poneros un poco al día de qué diablos significa eso de metal, por qué todos los heavys tradicionalmente han vestido de negro, el origen del cuero, los pinchos, el metal, los cuernos con los dedos y demás simbolos de este orgásmico estilo musical.

1960. Aquí es donde todo empezó. Y aunque sorprenda, su origen está en los Beatles de finales de 1968. En su disco “The Beatles”, o más conocido como “White Album” por su portada enteramente blanca, podemos encontrar la que ha sido definida como la primera canción heavy metal de la historia, “Helter Skelter”. Aparte de haber inspirado a asesinos en serie del siglo XX (preguntad a Charles Manson) esta canción rápida, de estilo sucio y distorsionado, con uan batería más dura y rápida, y unas voces forzadas al máximo, sin quererlo, dará lugar a una nueva forma de entender el rock “inocentón” que se había hecho hasta entonces. La banda de Pete Towsend, The Who, también contribuyó a ello, gracias sobre todo, al carisma de este último como guitarrista y de Keith Moon a la batería, dotándola de un nuevo sentido en una banda de rock.

Así pues:

  1. Guitarras distorsionadas y veloces
  2. Ritmos pesados y duros
  3. Baterías complejas y con personalidad
  4. Voces y letras más duras

A principios de los años 70, comenzarán a surgir bandas que desarrollarán ese nuevo rock esbozado por The Beatles y The Who. Aquí podemos hablar de los tres pilares que, cual orgásmicas y apostólicas entidades, van a dar origen, una década después, al Antiguo Testamento de la religión de los hijos del lado oscuro del riff de guitarra, que todos llamamos comúnmente metal. Me refiero a: Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath.

The Onslaught // Lazarus A.D.

Titulo: The Onslaught
Autor: Lazarus A.D.
Género: Thrash Metal
Año: 2009
Sello:  Metal Blade Records
Website oficial: www.lazarusad.com
Banda:

Dan Gapen (voces, guitarra rítmica)
Jeff Paulick (voces, bajo)
Alex Lackner (guitarra solista)
Ryan Shutler (bateria)

Canciones:

Last Breath
Thou Shall Not Fear
Damnation for the Weak
Absolute Power
Revolution
Rebirth
Lust
Forged in Blood
Every Word Unheard
Who I Really Am

Salvaje. Sin piedad. Sin tregua. Sin descanso. Sin parar. Que le jodan a las baladas, a la melodía, como una patada en la cara. Con estas palabras podríamos definir el que probablemente fue en 2009 el album sorpresa del mundo del metal del año.

Esta “avalancha” de riffs, ritmos rápidos, doble pedal endiablado y solos viene de la mano de cuatro estadounidenses que tienen muy claro lo que buscan y lo hacen lo mejor que saben. Este thrash metal moderno, que bebe desde los ritmos del Slayer del “Reing in Blood”, pasando por Metallica, con claras inspiraciones en sus canciones más rápidas como “Fight Fire with Fire” o “Dyers Eve”, los Testament más duros, o en un terreno más nacional, con Angelus Apatrida (con los que guardan un gran parecido) o simplemente de Megadeth y su libro de riffs “Rust in Peace”, tiene sabor a audacia.

Desde la primera canción, el disco es un continuo devenir de riffs, solos y baterías como hacía tiempo no se veía. Su punto fuerte, la combinación de guitarra y batería que hace que este disco suene pesado y duro como pocos. Sin duda la pieza maestra que da sentido a todo el conjunto es “Thou Shall Not Fear” y su apoteósico final, pero también son destacables “Last Breath”, “Damnation for the Weak” y “Rebirth”.

Hablemos del grupo por separado. En cuanto a las voces, desgarradoras y brutales, marcan el tempo del grupo. Aparece pocas veces a lo largo de las canciones, las cuales se centran en un aspecto más instrumental, dando el protagonismo a la batería y los riffs. Aun así, encontramos un juego a dos voces por parte del guitarrista rítmico y el bajista, voces agudas y graves respectivamente.

Las guitarras, por otro lado, son uno de los puntos fuertes, y ellos lo saben. Básicamente, podemos encontrar canciones con hasta tres solos distintos, y unos cambios de riffs en medio de la canción que dan a este album mucha variedad. Quizá se le pueda achacar que tienden a repetir algunos patrones. Pero tratándose de su debut, será algo que tendrán tiempo de solucionar.

El batería, sin duda, es un genio. Este instrumento suena como una tormenta, y ese doble pedal es de lo mejor que he escuchado. Los fraseos, ritmos y juegos varios (blackbeat en algunas canciones, tres ritmos distintos en otras) hacen que este músico haya de ser tenido en cuenta para álbumes venideros.

No quiero adelantarme, pero si el espiritu de este debut se mantiene en los siguientes discos, podríamos estar hablando de uno de los grupos del futuro del thrash metal.