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Crítica: Thr1rth3en ~ Megadeth

Bueno, pues comenzamos una nueva sección, donde iré publicando periódicamente mi opinión personal (y quiero remarcar lo de “opinión personal”) sobre algún disco al azar de los que haya escuchado últimamente, o que sea de nueva factura, o simplemente porque en una época me ha dado fuerte con tal disco o tal banda y me apetece profundizar algo más en ellos.

Bueno pues, en conmemoración al 13º disco de la banda Megadeth (1985), es de recibo ofrecer una visión analítica del mismo, ya que no todo el mundo (y más con la que está cayendo en el mundo de la música desde que Napster cambiara la industria en el año 2000) puede presumir de llevar más de 20 años en el negocio y con unas ventas de más de 16 millones de discos a sus espaldas.

La banda que surgió, en gran medida, del despecho de su principal miembro fundador / compositor / guitarrista Dave Mustaine por su marcha forzada de Metallica en 1982. Lo que pasó a continuación todos lo sabemos: la contratación de Kirk Hammett (venido de Exodus), el lanzamiento al estrellato propulsado por sus cinco primeros albumes…etc. Mientras Metallica se cubría de oro, gloria y escribía su nombre con letras mayúsculas en la historia del metal mundial, Mustaine fundó, en 1985, la banda Megadeth. A pesar de que siempre a Megadeth se le ha tachado un enorme 2 encima de su nombre, nada más lejos de la realidad, esta banda puede sentirse orgullosa de haber creado algunas de las obras claves para el desarrollo de dicho género: pongamos por caso la biblia de riffs que es Rust in Peace y temazos como “Hangar 18”, “Holy Wars…The Punishment Due”, “Rust in Peace…Polaris”, etc…

Sin embargo, el tiempo pasa. Y algunas bandas envejecen mejor que otras. Y aunque Megadeth empezó década, siglo y milenio con la frente bien alta, con dos discos correctos de potente Heavy / Thrash metal, lo cierto es que su último disco pasará sin pena ni gloria. Para mi, en mi humilde opinión (y con toda la delicadeza de la que he sido capaz) Thr1rth3en es un mal disco: canciones sin gancho ninguno, aburridas, con versiones de temas propios innecesarias y totalmente prescindibles (muy listo, Dave, con tres versiones infumables de temas propios y caras B, Black Swan, Millenium of the Blind y New World Order, y un refrito de un videojuego, Sudden Death, yo también hago un disco de 13 temas). Tras el trallazo que nos metió con Endgame, un disco irregular pero correcto, esto suena flojo, suave y sin magia ninguna. Sin duda, no es ni mucho menos su mejor disco ni nos ofrece todo lo que un guitarrista del inmenso talento de Mustaine puede ofrecer.

Flashforward // Robert J. Sawyer

Probaremos un concepto nuevo: libros con bandas sonoras…

Título: Flashforward.
Autor: Robert J. Sawyer.
Páginas: 313 páginas.
Editorial: Random House Mondadori (La Factoría de Ideas).
ISBN: 978-84-9908-405-3

Anobii

Quizá algunos no sepan que “Flashforward” es, en realidad, el título de una novela de ciencia ficción del autor americano Robert J. Sawyer. A algunos os resultará familiar ya que fue la obra de la cual los creadores de la serie de televisión homónima sacaron la esencia para realizar dicha serie para la ABC. Aunque ésta resultó ser un fracaso, hay que decir que, ni por asomo, siguió en ningún momento la estructura, personajes, historia o conceptos descritos en el libro, siendo este una obra sumamente recomendable para todos aquellos que nos guste reflexionar sobre ideas como el tiempo, el espacio y nuestra posición en el mismo.

La idea es la siguiente: Debido a un experimento en el acelerador de particulas LHC del CERN en Suiza realizado por los protagonistas del libro, Lloyd Simcoe, físico de particulas de 25 años y Theodosios Porcopides, su compañero de 27, ambos aspirantes al Nobel, se consigue recrear la mayor concentración de energía del universo desde el primer nanosegundo del Big Bang con el objetivo de encontrar el bosón de Higgs, una partícula subatómica que los físicos llevan cincuenta años buscando. Sin embargo, lo que ocurre es que durante 1 minuto y 43 segundos, la conciencia colectiva de toda la raza humana se desvanece y es proyectada hacia el futuro 21 años, de 2009 a 2030. Con esto, todos los seres humanos reciben una visión de futuro de sus vidas. Mientras la humanidad debe restañar los catastróficos efectos inmediatos, (la humanidad “entra en coma” durante ese minuto y cuarenta segundos e imaginaos la cantidad de aviones, operaciones, viajes, coches en circulación en ese momento), las implicaciones más serias tardan algo más en aparecer. Mientras que algunos reciben visiones del futuro de sus descendientes, otros descubren que no han visto absolutamente nada, a la vez que otros investigan su propio asesinato o intentan ponerse en contacto con las personas vistas en sus visiones.

La obra lanza al lector varias preguntas, utiliza la física teórica para plantear preguntas sobre el tiempo, el espacio, la existencia, el libre albedrío y nuestra posición como seres conscientes con respecto a todo ello. Conceptos como la IMM (Interpretación de Muchos Mundos) , autores como Schrödinger, universos paralelos, etc., hacen de este libro algo más que simple “carne de baratillo” de la Ciencia Ficción. Básicamente, la pregunta es: ¿querrías seguir adelante si lo que vieras no te gustara? ¿Dejarías que el resto de tu vida se viera afectada sólo por ese minuto y 43 que has podido ver?, ¿Es el tiempo una línea única que avanza como un bloque, o existen universos paralelos? Y lo más importante, ¿volverías a querer tener otra visión de futuro como esa?

Banda Sonora:

Título: Avoid the Light
Grupo: Long Distance Calling
Género: Post Rock
Año:2009

Disponible en Spotify (enlace)
Quizá soy yo, pero no se me ocurre mejor acompañamiento para este libro que este disco de los alemanes. Su rock expansivo y tranquilo encaja a la perfección con el ritmo del libro. Y “Apparitions” puede que sea, en mi cabeza, la banda sonora de ese minuto y cuarenta y tres segundos en el que la humanidad viaja colectivamente a través del tiempo.

De horizontes y metas

Horizonte es una palabra muy genérica. Podemos hablar del horizonte como aquella línea imaginaria que separa cielo y tierra. En realidad, podríamos hablar también del vacío existente entre estas dos entidades. Sin embargo, “Horizonte” puede hacer referencia a una meta: algo que puede determinar, guiar o motivar la vida de una persona.

¿Mi horizonte?

Spotify Free for all

¿Eres de esas personas que se recorren la Web de arriba abajo buscando, mendigando o incluso prostituyéndose por un código gratuito para conseguir Spotify Free?

Como sabréis, desde hace unos meses ya no es tan sencillo conseguir las invitaciones para la versión Free (con publicidad y sin pagar) del conocidísimo programa de streaming musical. Así pues, hay una solución:

Lo primero que tenéis que hacer es entrar en Facebook

Luego, os metéis aquí: http://www.facebook.com/smartspain

Tenéis que clicar “megusta” en la página que entréis, y luego, haces click en el anuncio de Smart que se presenta.

Te preguntarán dos cosas, cuyas respuestas son:

Los cristales vuelven a su sitio

Azul

Por último, aceptáis los términos de Spotify y demases, y…voilà! Ya tendréis un código de acceso nuevecito y listo para usar que deberéis introducir en la página web de Spotify para conseguir el tan ansiado Free

Saludos, metaleros

[Concierto] Apocalyptica + Livingston // 14.10.10

Aunque quien esto escribe no ha asistido a muchos conciertos por varios motivos (disponibilidad geográfica como económica) he de reconocer que de ahora en adelante será algo que intentaré hacer con más asiduidad.

Y es que el pasado 14 de Octubre tuve la genial oportunidad de asistir al concierto que Apocalyptica tenía programado en Madrid dentro de su gira “7th Symphony Tour” con la banda neonata Livingston como teloneros. Su setlist fue el siguiente:

  1. Smile
  2. Six By Four
  3. Whatever
  4. Disease
  5. Broken
  6. Man overboard

Livingston puedo decir que serán unos chicos que se crearán un espacio en esto de la música. Aquí no esperéis un grupo 100% metal ni hard rock. Su música va camino del pop/rock de Seether o Nickelback, pero con algo novedoso al mezclar hard rock, sonidos progresivos y ritmos tribales con el pop rock característico. Su directo, aunque corto (6 canciones) nos metió a todos en situación y amenizó los minutos previos al concierto.

Su cantante lo dio todo en el escenario y fuera de el, ya que me pareció un detallazo el hecho de estar en persona en el puesto de merchandising saludando, hablando con nosotros y firmando autógrafos a quienes se lo pidieran (entre los que me incluyo). Ojalá que el tiempo y la fama no les cambie este bonito gesto.

Sobre Apocalyptica, la verdad es que con el regusto que me dejó su último disco (7th Symphony – 2010) iba algo escéptico sobre cual podría ser el setlist de la banda. Y la verdad que a excepción de un par de clásicazos que a mi entender no podían faltar, la cosa fue muy digna. El setlist quedó de la siguiente forma:

APOCALYPTICA
7TH SYMPHONY TOUR 2010
Madrid 14.10-10

  1. On the Rooftop With Quasimodo
  2. 2010
  3. Grace
  4. Master of Puppets  (Metallica)
  5. End Of Me
  6. I’m Not Jesus
  7. Refuse/Resist  (Sepultura)
  8. Beautiful
  9. Sacra
  10. Bittersweet
  11. Last Hope
  12. Bring Them to Light
  13. Seek And Destroy  (Metallica)
  14. Inquisition Symphony  (Sepultura)

Bises:

  1. At the Gates of Manala
  2. I Don’t Care
  3. Hall of the Mountain King

Sin duda, uno de los mejores momentos de la noche fue su espectacular entrada con “On the Rooftop with Quasimodo”. Sus tres siluetas en negro con luz azul le daban al ambiente algo etéreo, con esos cellos in crescendo que inundaban la escena para que momentos después se uniera a ellos la batería.

Una cosa que me sorprendió fue su cercanía. Eicca Toppinen se mostró cordial y comunicativo con nosotros, Petru Kivilakso fue sin duda la sorpresa de la noche ya que nos dirigió unas palabras en pseudo-castellano que a todos nos sonaron muy bien, y Paavo, aunque más reservado, no hacía más que ligar con las chicas del frente y guiñar ojos a mansalva. Por otro lado, el juego de luces fue otro punto a destacar ya que hizo que un pequeño concierto de poco más de 1000 personas fuera, visualmente hablando, una maravilla.

Hablemos del sonido. La Riviera es una sala mítica de Madrid por donde han pasado cientos de grupos a lo largo de sus 50 años. He de reconocer que, aunque la batería a mi gusto estaba algo alta, lo que le restaba sonoridad a los cellos, el sonido fue muy bueno, no echando de menos en absoluto las versiones de estudio de los temas presentados, salvo por la voz, muy muy limitada, del cantante que llevaban acompañandolos.

El concierto en sí fue, como he dicho, una fusión de sus temas antiguos, con varios nuevos y alternando con versiones de Metallica y Sepultura. Por otro lado, resultaba muy curioso ver a los cientos de heavys allí reunidos escuchar impasibles las canciones más suaves, y el silencio reinante era sobrecogedor. Aun así, destacaría como los mejores de la noche “Bittersweet” (con el publico al unisono coreando las letras) las versiones de Metallica (que hicieron corear y cabecear al personal como locos) y algun tema nuevo (el mencionado “On the Rooftop with Quasimodo”, “Sacra” y “End of Me” le dieron mucha variedad a un concierto que estuvo marcado por el ambiente intimista y oscuro de una noche que me dejó con ganas de volver a verles cuando volvieran.

Lo mejor: El tema Bittersweet y su acompañamiento coral por el público. La cercanía e intimismo de las canciones lentas. La banda en conjunto. La puesta en escena. Eicca y Petru con el público. La calidad musical de los tres chicos. Livingston y su presentación. La compañía y, por supuesto, haberlo disfrutado contigo.

Lo peor: Quizá la falta de algún tema imperdonable (Path y Pray!). La duración del concierto (1h y 30 mins) se hizo corta a los asistentes al mismo.

Global: 8

Ludovico Einaudi

Aunque sorprenda, el post de hoy no va a ir dedicado al metal ni a ningún estilo de rock. Más bien quiero dedicarle estas palabras a un maestro infravalorado y casi desconocido de la música actual, ya que después de buscar su nombre en Google me sale su página oficial y poco más.

Pues bien, dicho genio se llama Ludovico Einaudi, y quienes me conocen saben que es uno de mis músicos fetiches. Descubrí su particular estilo de música clásica contemporánea allá por el año 2007 con su album “Divenire”.

Este pianista italiano nacido en Turín en 1955 es capaz de crear obras muy bellas, pero sobre todo, muy originales, en un momento en que la música está siendo maltratada de una manera atroz por “Ladygagas” y “Hannamontanas” de cualquier palo y condición. Pero esta persona ama la música por encima de todo. En 1982 se licenció en Composición por el Conservatorio de Música Giusseppe Verdi de Milán, momento desde el cual ha trabajado de forma incansable por elevar la música clásica a otro estatus dentro del sello DECCA.

Compositor de varias bandas sonoras de películas, de teatro, compositor de danza y de música de cámara así como para orquesta, el propio autor se define como “minimalista” en su forma de hacer música. Una música tranquila, sobria, elegante, para meditar, donde el protagonismo lo adquiere su piano acompañado muy a menudo por instrumentos de cuerda y viento, formando casi una orquesta sinfónica a su disposición.

A pesar de tener una discografía extensa, yo recomendaría encarecidamente los siguientes albumes:

  • (2004) Una Mattina
  • (2007) Divenire
  • (2009) Nightbook

Página Web Oficial: http://www.ludovicoeinaudi.com/

Ese Maravillosa Música Atronadora (I)

Hoy me dirijo a vosotros desde mi cubil para poneros un poco al día de qué diablos significa eso de metal, por qué todos los heavys tradicionalmente han vestido de negro, el origen del cuero, los pinchos, el metal, los cuernos con los dedos y demás simbolos de este orgásmico estilo musical.

1960. Aquí es donde todo empezó. Y aunque sorprenda, su origen está en los Beatles de finales de 1968. En su disco “The Beatles”, o más conocido como “White Album” por su portada enteramente blanca, podemos encontrar la que ha sido definida como la primera canción heavy metal de la historia, “Helter Skelter”. Aparte de haber inspirado a asesinos en serie del siglo XX (preguntad a Charles Manson) esta canción rápida, de estilo sucio y distorsionado, con uan batería más dura y rápida, y unas voces forzadas al máximo, sin quererlo, dará lugar a una nueva forma de entender el rock “inocentón” que se había hecho hasta entonces. La banda de Pete Towsend, The Who, también contribuyó a ello, gracias sobre todo, al carisma de este último como guitarrista y de Keith Moon a la batería, dotándola de un nuevo sentido en una banda de rock.

Así pues:

  1. Guitarras distorsionadas y veloces
  2. Ritmos pesados y duros
  3. Baterías complejas y con personalidad
  4. Voces y letras más duras

A principios de los años 70, comenzarán a surgir bandas que desarrollarán ese nuevo rock esbozado por The Beatles y The Who. Aquí podemos hablar de los tres pilares que, cual orgásmicas y apostólicas entidades, van a dar origen, una década después, al Antiguo Testamento de la religión de los hijos del lado oscuro del riff de guitarra, que todos llamamos comúnmente metal. Me refiero a: Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath.

The Resistance // Muse


Título: The Resistance
Autor: Muse
Género: Rock Sinfónico
Año: 2009
Sello: Warner Bros. Music
Website Oficial: www.muse.mu
Banda:

Matthew Bellamy (voces, guitarra, piano, teclados)
Christopher Wolstenholme (bajo, teclados, voces secundarias)
Dominic Howard (percusión, sintetizadores, voces secundarias)

Canciones:

Uprising
Resistance
Undisclosed Desires
United States of Eurasia + Collateral Damage
Guiding Light
Unnatural Selection
MK Ultra
I Belong to You
Exogenesis/Part 1: Overture
Exogenesis/Part 2: Cross-Pollination
Exogenesis/Part 3: Redemption

Hablar de Muse es hablar de arte con mayúsculas. Es hablar de una nueva forma de entender la música clásica, el rock duro, el pop, la electrónica, y de saber combinarlos de tal manera que se obtenga algo nuevo e inmortal: una nueva ola de rock sinfónico.

Aunque hablar de Muse también es hablar de Matthew Bellamy, su lider y principal compositor. Estudioso pianista y amante de la música clásica, la influencia que ésta tiene en su música es innegable, pudiéndose observar  el uso de las escalas propias del piano clásico en su obra.

Esta banda, fundada en el año 1999 con un magnífico debut a cargo de su album “Showbiz”, disco tras disco ha sabido mantener un modelo y una forma de hacer música que traspasa todo lo conocido y que, seguramente, hará que sigamos hablando de ellos dentro de cuarenta años como los iniciadores de la nueva música del siglo XXI.

En cuanto al disco que se nos presenta, éste confirma a Muse una vez como la nueva ola de futuro. La obra presenta cierta conceptualidad, al tener un denominador común en las letras sobre cambio y revolución, que se hace mucho más profunda en la canción llamada “Exogenesis”, en donde el piano de Bellamy es el leiv motiv a una bella historia de redención.

Esa obra de música clásica contemporánea, dividida en tres partes, tiene un componente lírico muy inspirado en la ciencia-ficción. Según el propio Bellamy, la primera parte trata sobre la humanidad, en una tierra devastada, sin posibilidad de continuar adelante, busca un nuevo planeta para habitar. La segunda parte trata sobre esa búsqueda, por todo el universo, de una nueva oportunidad. Por último, la tercera parte concluye con el hallazgo de un nuevo planeta donde la evolución puede continuar y en donde se enmendarán los errores del pasado.

Así pues, recomendaría encarecidamente “United States of Eurasia” (una canción donde se percibe la clara influencia de Queen), “Uprising” y por supuesto “Undisclosed Desires”, los tres puntales sobre los que se asienta este album, que por otro lado, es una obra maestra en su totalidad.